Pagguhit ng pigura - Figure drawing - Wikipedia

Mula Sa Wikipedia, Ang Malayang Ensiklopedya

Pin
Send
Share
Send

Pagguhit ng pigura ni Leonardo da Vinci

A pagguhit ng pigura ay isang guhit ng anyong tao sa anuman sa iba`t ibang mga hugis at mga postura gamit ang alinman sa pagguhit media. Ang termino ay maaari ring sumangguni sa kilos ng paggawa ng tulad a pagguhit. Ang antas ng representasyon ay maaaring saklaw mula sa lubos na detalyadong, anatomikal na tamang pag-render sa maluwag at nagpapahayag na mga sketch. Ang isang "pagguhit ng buhay" ay isang guhit ng pigura ng tao mula sa pagmamasid ng isang live modelo. Ang pagguhit ng pigura ay maaaring isang binubuo ng likhang sining o pag-aaral ng pigura tapos na bilang paghahanda para sa isang mas natapos na gawain tulad ng isang pagpipinta.[1] Ang pagguhit ng pigura ay masasabing pinakamahirap na paksa an artista karaniwang mga nakatagpo, at buong kurso ay nakatuon sa paksa. Ang tao na pigura ay isa sa mga pinaka-matibay na tema sa visual arts, at ang tao na pigura ay maaaring maging batayan ng larawan, ilustrasyon, iskultura, ilustrasyong medikal, at iba pang mga bukirin.

Mga paglapit

Ang mga artista ay kumukuha ng iba't ibang mga diskarte sa pagguhit ng pigura ng tao. Maaari silang gumuhit mula sa mga live na modelo o mula sa mga litrato,[2] mula sa mga modelo ng kalansay, o mula sa memorya at imahinasyon. Karamihan sa pagtuturo ay nakatuon sa paggamit ng mga modelo sa mga kurso na "pagguhit ng buhay". Ang paggamit ng sanggunian sa potograpiya — bagaman karaniwan mula noong nabuo ang pagkuha ng litrato- ay madalas na pinuna o pinanghinaan ng loob dahil sa kaugaliang ito na gumawa ng mga "patag" na imaheng nabigo na makuha ang mga pabago-bagong aspeto ng paksa. Ang pagguhit mula sa imahinasyon ay madalas na pinupuri para sa pagpapahiwatig na hinihikayat nito, at pinupuna para sa mga kamalian na ipinakilala ng kawalan ng kaalaman ng artista o limitadong memorya sa pagpapakita ng pigura ng tao; ang karanasan ng artist na may iba pang mga pamamaraan ay may malaking impluwensya sa bisa ng diskarte na ito.

Sa pagbuo ng imahe, ang ilang mga artist ay nakatuon sa mga hugis na nilikha ng interplay ng ilaw at madilim na halaga sa mga ibabaw ng katawan. Ang iba ay nagsasagawa ng isang anatomical na diskarte, simula sa pagtatantya ng panloob balangkas ng pigura, overlay ng panloob na mga organo at kalamnan, at tinatakpan ang mga hugis na iyon sa balat, at sa wakas (kung naaangkop) damit; ang pag-aaral ng panloob na anatomya ng tao ay karaniwang kasangkot sa pamamaraang ito. Ang isa pang diskarte ay ang maluwag na itayo ang katawan sa labas geometriko mga hugis, hal., isang globo para sa cranium, isang silindro para sa katawan ng tao, atbp pagkatapos ay pinuhin ang mga hugis na mas malapit na makahawig sa anyong tao.

Para sa mga nagtatrabaho nang walang visual na sanggunian (o bilang isang paraan ng pag-check sa trabaho), proporsyon na karaniwang inirerekumenda sa pagguhit ng pigura ay:[3]

  • Ang isang average na tao sa pangkalahatan ay 7 at kalahating ulo ang taas (kasama ang ulo). Maaari itong mailarawan sa mga mag-aaral sa silid-aralan gamit ang mga plate ng papel upang biswal na ipakita ang haba ng kanilang mga katawan.
  • Ang isang perpektong pigura, na ginamit para sa isang impression ng maharlika o biyaya, ay iginuhit sa 8 ulo taas.
  • Ang isang bayani na pigura na ginamit sa paglalarawan ng mga diyos at mga superhero ay may taas na walo at kalahating ulo. Karamihan sa mga karagdagang haba ay nagmumula sa isang mas malaking dibdib at mas mahahabang mga binti.

Ang mga proporsyon na ito ay pinaka-kapaki-pakinabang para sa isang tumatayong modelo. Poses kung saan ipakilala foreshortening ng iba`t ibang mga bahagi ng katawan ay magdudulot sa kanila upang magkakaiba.

Media

Nakaupo na babae, pagguhit sa itim na krayola, paaralan ng Rembrandt (Ika-17 siglo)

Ang French Salon noong ika-19 na siglo inirekomenda ang paggamit ng Conté mga krayola, na mga stick ng waks, langis at pigment, na sinamahan ng espesyal na formulated na papel. Hindi pinahintulutan ang pagbura; sa halip, inaasahan na ilarawan ng artista ang pigura sa mga light stroke bago gumawa ng mas madidilim, mas nakikita na mga marka.

Pagguhit ng pigura ni Lovis Corinto. Bago ang 1925

Ang isang tanyag na modernong pamamaraan ay ang paggamit ng a uling stick, na inihanda mula sa mga espesyal na puno ng ubas, at isang mas mahigpit na anyo ng papel. Malayang nakasunod ang uling sa papel, pinapayagan ang napakadaling mabura, ngunit ang pangwakas na pagguhit ay mapangalagaan gamit ang isang "fixative" na spray upang hindi maalis ang uling. Ang mas mahirap na naka-compress na uling ay maaaring makabuo ng isang mas sadya at tumpak na epekto, at ang mga nagtapos na tono ay maaaring magawa sa pamamagitan ng pag-smud sa mga daliri o sa isang silindro na tool ng papel na tinatawag na tuod.

Karaniwang ginagamit din ang lapis na grapito para sa pagguhit ng pigura. Para sa hangaring ito ay ipinagbibili ang mga lapis ng mga artista sa iba't ibang mga formulasyon, mula 9B (napakalambot) hanggang 1B (katamtamang malambot), at mula sa 1H (daluyan mahirap) hanggang 9H (napakahirap). Tulad ng uling, maaari itong burahin at manipulahin gamit ang isang tuod.

Ang tinta ay isa pang tanyag na daluyan. Ang artist ay madalas na magsisimula sa grapayt lapis upang gumuhit ng guhit o balangkas ng pagguhit, pagkatapos ang pangwakas na gawain sa linya ay tapos na sa isang pluma o brush, na may permanenteng tinta. Ang tinta ay maaaring dilute ng tubig upang makabuo ng mga gradation, isang pamamaraan na tinatawag na ink hugasan. Ang mga marka ng lapis ay maaaring mabura pagkatapos mailapat ang tinta, o naiwan sa lugar na may mga madidilim na tinta na lumalakas sa kanila.

Ang ilang mga artista ay direktang gumuhit sa tinta nang walang paghahanda ng isang lapis na lapis, na ginusto ang kusang-loob ng pamamaraang ito sa kabila ng katotohanang nililimitahan nito ang kakayahang iwasto ang mga pagkakamali. Matisse ay isang artista na kilalang nagtrabaho sa ganitong paraan.

Isang pinaboran na pamamaraan ng Watteau at iba pang mga ika-17 at ika-18 siglong mga artista ng Baroque at Rococo Ang panahon ay magsimula sa isang may kulay na lupa ng tono sa pagitan ng puti at itim, at upang magdagdag ng lilim sa itim at mga highlight sa puti, gamit ang panulat at tinta o "krayola".

Kasaysayan

Ang tayahin ng tao ay naging paksa ng mga guhit mula pa noong sinaunang panahon. Habang ang mga kasanayan sa studio ng mga artist ng unang panahon ay higit sa isang bagay ng haka-haka, na madalas silang gumuhit at nagmomodelo mula sa mga hubad na modelo ay iminungkahi ng anatomical sophistication ng kanilang mga gawa. Isang anekdota na kaugnay ni Pliny naglalarawan kung paano Zeuxis sinuri ang mga kabataang babae ng Agrigentum hubad bago pumili ng lima na ang mga tampok ay pagsamahin niya upang makapagpinta ng isang perpektong imahe.[4] Ang paggamit ng mga hubad na modelo sa pagawaan ng medieval artist ay ipinahiwatig sa mga sulatin ng Cennino Cennini, at isang manuskrito ng Villard de Honnecourt Kinukumpirma na ang sketch mula sa buhay ay isang itinatag na kasanayan noong ika-13 siglo.[4] Ang Carracci, na nagbukas ng kanilang Accademia degli Incamminati sa Bologna noong 1580s, itakda ang pattern para sa mga susunod na sining na paaralan sa pamamagitan ng paggawa ng buhay na pagguhit ng sentral na disiplina.[5] Ang kurso ng pagsasanay ay nagsimula sa pagkopya ng mga ukit, pagkatapos ay nagpatuloy sa pagguhit mula sa mga cast ng plaster, pagkatapos na ang mga mag-aaral ay sinanay sa pagguhit mula sa live na modelo.

Sa huling bahagi ng ika-18 siglo, ang mga mag-aaral sa Jacques-Louis DavidAng studio ay sumunod sa isang mahigpit na programa ng pagtuturo. Ang mastering sa pagguhit ay itinuturing na isang paunang kinakailangan sa pagpipinta. Para sa halos anim na oras bawat araw, ang mga mag-aaral ay kumukuha mula sa isang modelo na nanatili sa parehong pose sa loob ng isang linggo.[6] "Ang mga guhit ng ikawalong siglo, tulad ng iniugnay kay Jacques-Louis David, ay karaniwang ginagawa sa kulay na papel na kulay pula o itim na tisa na may puting mga highlight at isang madilim na lupa. Ang mga pose ng mga modelo ay naging aktibo: ang mga nakatayo na pigura ay tila gumalaw at kahit na ang mga nakaupo na numero ay gesticulate ng kapansin-pansing. Ang malapit na pagmamasid sa katawan ng modelo ay pangalawa sa pagbibigay ng kanyang kilos, at maraming mga guhit - naaayon sa teoryang pang-akademiko - ay tila nagpapakita ng isang kinatawan na pigura sa halip na isang tukoy na katawan o mukha. Sa paghahambing, ginawa ng mga akademya sa ang ikalabinsiyam na siglo [...] ay karaniwang isinasagawa sa itim na tisa o uling sa puting papel at maselan na paglalarawan ng mga partikularidad at idiosyncrasies ng katawan ng live na modelo. Ang katibayan ng kamay ng artista ay pinaliit at, kahit na nakahilig o nakaupo ang mga pose bihira, kahit na ang mga nakatayo na pose ay medyo static ... " [7] Bago ang huling bahagi ng ika-19 na siglo, ang mga kababaihan sa pangkalahatan ay hindi pinapapasok sa pagguhit ng mga klase.[8]

Pigura ng Academy

Isang figure ng akademya ay isang pagguhit, pagpipinta o iskultura sa isang literal na pamamaraan, ng hubad katawan ng tao gumagamit ng isang live na modelo, karaniwang sa kalahating laki ng buhay.[kailangan ng pagsipi]

Ito ay isang pangkaraniwang ehersisyo na kinakailangan ng mga mag-aaral sa mga paaralang sining at mga akademya, kapwa sa nakaraan at kasalukuyan, kaya't ang pangalan.[9]

Mga babae

Isang lumampas na figure sa akademya ng neoclassical na pintor Pierre Subleyras

Inihayag ng mga makasaysayang account na ang mga hubad na modelo para sa paghangad mga babaeng artista sa pangkalahatan ay hindi magagamit. Ang mga kababaihan ay pinagbawalan mula sa ilang mga institusyon dahil ito ay itinuturing na hindi wasto at marahil ay mapanganib para sa kanila na mag-aral mula sa mga hubad na modelo.[10] Kahit na ang mga kalalakihan ay binigyan ng pag-access sa parehong lalaki at babae na hubad, ang mga kababaihan ay nakakulong sa pag-aaral ng anatomya mula sa mga cast at modelo. Hanggang 1893 na pinayagan ang mga babaeng mag-aaral na mag-access sa pagguhit ng buhay sa Royal Academy sa London,[11] at kahit na ang modelo ay kinakailangan upang maging bahagyang draped.[12]

Ang limitadong pag-access sa mga hubad na pigura ay nakababag sa mga karera at pagpapaunlad ng mga babaeng artista. Ang pinakatanyag na anyo ng pagpipinta ay nangangailangan ng malalim na kaalaman sa anatomya na sistematikong tinanggihan sa mga kababaihan,[12] na sa ganoon ay pinahinuhod sa mga hindi gaanong galang na mga porma ng pagpipinta tulad ng genre, buhay pa rin, tanawin at larawan. Sa Linda NochlinSanaysay na "Bakit Nagkaroon Walang Mahusay na Mga Artista ng Babae" kinikilala niya ang pinaghihigpitang pag-access na kailangang hubad ng mga kababaihan sa pagguhit ng pigura bilang isang makasaysayang hadlang sa pag-unlad na pansining ng kababaihan.[12]

Contemporary na tagubilin sa studio

Pagguhit ng isang lalaking nakaupo na naka-cross legs
Hubad na pag-aaral ni Annibale Carracci

Ang tagubilin sa pagguhit ng larawan ay isang elemento ng karamihan pinong sining at ilustrasyon mga programa Mga akademya ng pinong sining sa Italya magkaroon ng scuola libera del nudo ("libreng paaralan ng hubad") na bumubuo ng bahagi ng degree na programa ngunit bukas din sa mga mag-aaral sa labas.[13] Sa isang pangkaraniwang figure drawing studio na silid-aralan, ang mga mag-aaral ay nakaupo sa paligid ng isang modelo alinman sa isang kalahating bilog o isang buong bilog. Walang dalawang mag-aaral na may eksaktong kapareho ng pagtingin, sa gayon ang kanilang pagguhit ay makikita ang pananaw ng natatanging lokasyon ng artist na may kaugnayan sa modelo. Ang modelo ay madalas na nagpose sa isang paninindigan, upang paganahin ang mga mag-aaral na mas madaling makahanap ng isang hindi hadlang na pagtingin. Nakasalalay sa uri ng pose, kasangkapan at / o props ay maaaring magamit. Karaniwan itong kasama sa pagguhit, sa lawak na nakikita sila ng artist. Gayunpaman, ang mga background ay karaniwang hindi pinapansin maliban kung ang layunin ay upang malaman ang tungkol sa paglalagay ng mga numero sa isang kapaligiran. Ang mga indibidwal na modelo ay pinakakaraniwan, ngunit maraming mga modelo ang maaaring magamit sa mas advanced na mga klase. Maraming mga studio ang nilagyan upang payagan ang iba't ibang pag-aayos ng ilaw.

Kapag itinuro sa antas ng kolehiyo, ang mga modelo ng pagguhit ng pigura ay madalas (ngunit hindi palaging) hubad (bukod sa maliliit na alahas, props o iba pang hindi kapansin-pansin na mga item). Habang nagpapose, ang modelo ay karaniwang hiniling na manatiling perpektong. Dahil sa paghihirap na gawin ito sa isang pinahabang panahon, ang mga pana-panahong pahinga para sa modelo upang magpahinga at / o mag-abot ay karaniwang kasama sa mas mahahabang session at para sa mas mahirap na mga pose.

Sa simula ng isang sesyon ng pagguhit ng pigura, ang modelo ay madalas na hiniling na gumawa ng isang serye ng mga maikling pose nang mabilis na magkakasunud-sunod. Ang mga ito ay tinatawag na mga pose ng kilos, at karaniwang isa hanggang tatlong minuto bawat isa. Pagguhit ng kilos ay isang warm-up na ehersisyo para sa maraming mga artista, kahit na ang ilang mga artista ay binabalangkas ang kilos bilang unang hakbang sa bawat pagguhit ng pigura.[14] Ang mga malawak na stroke na ito ay hindi lamang ginagawa ng isang pulso, ngunit sa pamamagitan ng paggamit ng buong braso upang makuha ang galaw ng modelo. Nakatutulong din ito upang mapanatili ang pokus ng artist sa modelo sa halip na ang papel. Pagdating sa katawan ng tao, ang mga artista ay masakit na kritikal; ang mga proporsyon ng isang buhay pa rin ay hindi kailangang iginuhit perpekto upang magmukhang tunay, ngunit kahit na ang kaunting pagkakamali sa mga sukat ng tao ay madaling makita.

Ang mga moderno at kapanahon na artista ay maaaring pumili upang palakihin o ibaluktot ang mga sukat upang bigyang-diin ang kilos o pinaghihinalaang kalagayan ng pose ng mga modelo. Ang mga kinalabasan ay maaaring ituring bilang isang natapos na likhang sining, na nagpapahayag ng parehong paksa, ang pagmamasid, emosyonal at pagmamarka ng tugon sa karanasan ng pagguhit ng artist.

Ang Anatomy ay ang unang antas lamang ng pag-aalala sa mga klase sa buhay. Figure-ground isinasaalang-alang din ang mga ugnayan at iba pang mga aspeto ng komposisyon. Ang balanse ng isang komposisyon ay nagiging mas mahalaga at samakatuwid ay higit na nauunawaan sa pamamagitan ng pagguhit ng buhay. Ang artista kinesthetic ang tugon sa pose at kung paano ito maiparating sa pamamagitan ng isang pagpipilian ng art media ay isang mas advanced na pag-aalala. Dahil ang layunin ng mga klase sa pagguhit ng pigura ay upang malaman kung paano gumuhit ng mga tao ng lahat ng uri, mga modelo ng lalaki at babae ng lahat ng edad, mga hugis, at ang mga etniko ay karaniwang hinahangad, sa halip na pumili lamang ng mga magagandang modelo o mga kasama "ideal" na mga numero. Partikular na hinahangad ng ilang mga magtuturo na iwasan ang uri ng mga modelo na ginugusto ng mga fashion photographer, na naghahanap ng mga mas makatotohanang halimbawa at maiwasan ang anumang implikasyon ng sekswal na objectification. Ang mga nagtuturo ay maaari ring mapaboran ang mga modelo ng mga partikular na uri ng katawan batay sa natatanging mga contour o mga ibabaw na texture na ibinibigay nila. Ang pagkakaiba-iba ng mga modelo na tinanggap ay maaaring limitahan ng pangangailangan para sa kanila na humawak ng isang pose para sa pinahabang panahon (tinatanggal ang mga bata na hindi mapakali at mahina ang mas matandang mga tao), at mga alalahanin sa kahinhinan at legalidad kapag ang mga modelo ay nagpahiwatig ng hubad (pinipigilan ang paggamit ng mga menor de edad).

Tingnan din

Mga tala

  1. ^ Berry, Ch. 8 - "Pagguhit bilang Paghahanda"
  2. ^ Maureen Johnson at Douglas Johnson (2006). Mga Modelong Art: Mga Buhok sa Buhay para sa Pagguhit, Pagpipinta, at Pag-iskultura. Mga Live na Modelong Libro. ISBN 978-0976457329.
  3. ^ Devin Larsen (Enero 19, 2014). "Karaniwang sukat ng katawan ng tao". makingcomics.com. Nakuha Setyembre 6, 2020.
  4. ^ a b Mahigpit na Akademiko 1974 p. 6.
  5. ^ Mahigpit na Akademiko 1974, p. 7.
  6. ^ Mahigpit na Akademiko 1974, p. 8.
  7. ^ S. Waller, Ang Pag-imbento ng Model: Mga Artista at Modelo sa Paris, 1830-1870. 2016, P. 5.
  8. ^ Mahigpit na Akademiko 1974, p. 9.
  9. ^ Claude-Henri Watelet, «Académie» at «Modèle», dans Encyclopédie méthodique. Beaux-arts, Paris, Panckoucke, 1791. Pinagmulan na binanggit sa fr: Académie (dessin)
  10. ^ Myers, Nicole. "Mga Artista ng Kababaihan sa Ikalabinsiyam – Siglo ng Pransya". Metropolitan Museum of Art.
  11. ^ Levin, Kim. "Nangungunang Sampung Mga Kwento ng ARTnews: Exposing the Hidden 'He'". Mga ArtNews.
  12. ^ a b c Nochlin, Linda. "Bakit Wala Nang Mahusay na Mga Artista ng Babae?" (PDF).
  13. ^ Maggioli (2013).Codice delle leggi della scuola, pp. 829-830. ISBN 8838778639 (Sa italyano)
  14. ^ Ang Manbook ng Art Model http://www.artmodelbook.com

Mga Sanggunian

Mga panlabas na link

Pin
Send
Share
Send